怎么学习镜头语言？

导演其实是一个用镜头讲故事的人。既然他的工具是镜头，那就从镜头的比较小单位开始吧。

我用一个比较让大家容易理解的方式，粗略的把镜头概括为“五色光”。

“五”代表镜头的五元素，其中之一就是景别。

景别分为特写、近景、中景、全景、远景。

特写按严格的定义来说，它是表现某物的一个细节，或者是某人的某一种情绪。

特写的表意功能是什么？当需要展现人物情绪，或者是说要放大人物情绪的时候，我们会选择特写。

近景是拍人物胸部以上的镜头。它的表意功能是什么呢？展现人物个体。

所以特写镜头经常用来拍利弊，对白戏，过肩拍等。其中表现人物，更多的是人物的上半身部分，包括他的语言和对话。

中景是表现人与环境之间的关系。全景其实跟中景有点像，也是人物与环境之间的关系。

但是中景更侧重于人物，全景更侧重于环境，所以中景跟全景比较大的不同就是人与环境的关系比例的不同。

远景顾名思义就是摄像机拍向远方。是比较简单的例子。你看一些好莱坞电影，一开始总会有大环境的介绍，然后你就被从大环境锁到离开工厂的角色或者主角身上。

导演必须明确每个场景的表意功能，每个场景应该向观众传达什么效果。

介绍完景别以后我们来讲镜头的第二大元素，叫做镜头的运动。

镜头的运动分为推、拉、摇、移、跟、升、降。

先说推拉。在数字技术还没那么发达的时候，1080p机器都有推拉按钮，比如索尼150，松下180，通过推拉实现变焦。典型代表就是香港以前的电影，比如一个打斗场面，里面经常有很多的推拉。现在已经很少用了，取而代之的是前进、后退、跟随的组合。

如果一个导演善于使用运动镜头，他的电影自然会形成一种超前感。现在旅游片很多，包括很多vlogers，就是那些做vlogg的博主。他们会选择一些很酷的过渡。这种酷炫过渡的基础是什么？就是电影。

很多人都有这样的困惑，为什么我拍的片子感觉死气沉沉的？

原因很简单，就是你的镜头不够丰富，镜头语言太单一，造成转场的死角。

关于转场有以下两种方式：

一种是a场和b场做一个无缝衔接，来表明我的时间和空间是同步的。

另一种是空间不同步、但时间同步，或者是时间不同步、但空间同步。这时候你用到无缝衔接，你就会自然而然给观众一种感。

接下来我重点讲讲晃动和移动的区别。

摇镜头摄像机的支点是不变的，它属于在摄像机某个固定支点下，用摄像机的运动来扩展你的视角的这么一种镜头。

但移不一样，移的支点是跟人物或者物体保持平行状态的运动。随着人或事物移动，所以它有一种身临其境的感觉。这两种方法是好是坏，看你怎么用，或者在什么情况下用。

摇镜头有一个比较特殊的功能，就是在急摇的状态下，它可以做转场。,当我从左到右走的时候，我先晃一枪，然后下一枪是从左到右。我的两次右摇可以合二为一。比如拍汽车剧或者玩话剧的时候，经常会用到摇摆相机。晃动可以让你的投篮组合更快。这种组合会让相机的节奏更快，人会随着你心中的节奏而移动。

五元素中的第三种元素：镜头。

镜头的角度可以分为平视，仰视、俯视，这三种也是比较基本的一种划分镜头角度的方式。当然还有一些倾斜构图，也属于镜头角度的范畴。

平视摄像头其实很简单。你看新闻联播主播面对镜头的时候，大部分都是平视摄像头，因为他想和观众有一种平易近人的感觉。

然后抬头向下看，每个人在生活中都可以接触到。比如你给女朋友拍照，然后女朋友说你带我高一点，大家都抬头看着镜头迫不及待地上给女朋友拍照。其实这个东西在我们的生活中是显而易见的，但在拍真实电影的过程中如何使用还是个学习的问题。

往下看，影视作品中有更深层次的视听功能。比如我们从上面拍，可以看到一种警察跳排的状态。它讲究“行”，这个“行”就是行政行。特别是俯视全景的时候，可以把房子或者人物的排列拍下来，有一个形状。

因此，我们不仅可以展示人物的渺小，还可以通过俯视镜头来展示线条。线条感常用在一些比较形式主义的电影中。他们注重物体的形状、大小、排列组合，进而给观众以视觉冲击。

抬头看相机不仅仅是单层的表意功能，它还有很多功能。比如孩子和父亲说话，他的观点其实是一种仰望。如果我要拍爸爸过孩子肩膀的话，这个时候查镜头就成了新事物。孩子看父亲是一种观点，是查表功能的另一层表意功能。当然还有很多。这节课就不赘述了。每个人都将在实践中使用它们

进一步的经验。

还有一种特殊的角度叫斜构图。王家卫电影中经常使用倾斜构图。看王家卫的电影时，比如说旺角卡门，阿飞正传，东邪西毒，春光乍泄等。许多倾斜的构图被用来表现人物心理平衡的扭曲。

因为王家卫喜欢拍人，大部分都是城里的小人物。他想表现小人物的无奈、彷徨、失落甚至孤独，于是故意倾斜人物的平衡，然后给观众一种内在的冲突，让观众感受到人物的渺小、无助、痛苦，这也是他的表现。

当然，斜写有很多表意功能。比如我们拍广告，尤其是hip-hop的mv，都是倾斜构图，推拉，用这些来营造新鲜感。但是拍的时候要确切知道为什么要用斜构图这样做。

镜头的第四大元素叫做焦距。

广义上的焦距可以分为广角、中焦、长焦。

还有一些广角定焦镜头，比如182535，中焦45065，长焦75 mm以上，有人肯定说焦距好像是摄影师的工作范畴，其实不是。这些东西对导演有什么用？导演必须要明白，什么时候用广角，什么时候用中焦，什么时候用长焦才能达到更好的效果。

广角镜头，大家都知道，有失真的效果，甚至一个特殊的广角镜头就是：鱼眼镜头，可以360度拍摄。广角镜头一般表现大环境，经常用来拍远景和全景。

我们常用的中焦距是4550，包括65。比较偏向人眼的焦距是50，所以50焦距的镜头卖的很好。50定焦镜头便宜又贵，价格分等级，很多人都可以选择。因为它50的焦距不出错，看起来什么都能拍。尤其是拍人物的时候，50拍更好看。

但其实我个人还是比较喜欢焦段的，属于广角类的35。这个焦点片段对广告真的很有用。因为我们拍广告的时候，一天可能有二十个镜头或者三十个镜头，感觉蛮多的。那么透镜35只是广角和中焦之间的过渡。所以其实中景和近景拍摄都没有问题。

而且35的焦深，包括人物和画面的距离，是比较舒服的。我的感觉是35的透视关系在真假之间，50拍的人物太美了，但我更喜欢这个相对真实的东西。但也要看你想要什么效果。如果你想给护肤品打广告或者给脸来个大特写，当然还是用50或者长焦之类的镜头，因为会让这种透视关系非常美好。

大家可以去试，用不同焦段拍同一物体或者是同一人物产生出不同的效果。但还是要具体问题具体分析，而不是说是我们有很多固定的模式。

当然，我们不必像摄影师所知道的那样具体，但导演还是需要在感官或表意意义上对相机有比较基本的了解。因为作为导演，你当然要知道你的画面的根在哪里，这样你才能和摄影师交流。比如你得不到满意的画面，你就想要一种人与物之间的疏离感。可能摄影师给了你50，发现这种疏离感出不来了。你现在可以让他改成35或者25。

比如你想表现父子之间的亲密关系，一开始是有矛盾的，后来矛盾解决了，通过和解达成了一定的共识，父子关系升级为亲密关系。这时候如果要用长焦镜头，可以把父子之间的亲密感传达给观众。也就是说，导演用镜头语言给观众讲故事，或者说给自己讲故事。

镜头的第五大元素，镜头的速率。

镜头的速率可以分为升格、降格，抽帧。

比如升格就是大家普遍理解的慢镜头，降格就是快速镜头，动作加快。,卓别林的电影，他特别喜欢用退化。升级是我们现在经常用来拍广告的。有时候是50帧，60帧，甚至100帧。有时候拍超高速的食物和粉末甚至可能要1000帧。当然，如果用1000帧的话，要用专门的摄像头来完成。

例如，抽帧其实也是王家卫电影里善用的一种方式。, 重庆森林，它是画框，把人物与城市之间的这种疏离感用抽帧的方式来展现给观众。

当然，我们应该清楚这五个元素是什么，牢记在心，并将其应用到我们的拍摄实践中。从理论到实践，再到实践，再到理论，我的知识体系不断丰富和升华。

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